EDAD MEDIA

EDAD MEDIA

La Edad Media – del siglo V al siglo XV- es un gran período de la historia del arte.

El arte medieval es clasificado en períodos y movimientos: arte paleocristiano, prerrománico, románico, gótico, arte bizantino y arte islámico.

El arte medieval incluye muchos medios de expresión a través de disciplinas artísticas, técnicas y género diferentes: arquitectura, escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados, frescos, pintura en tabla, mosaicos, etc., en el que se incluyen artes y oficios.

El objeto artístico medieval tiene, en el seno de la sociedad en que es producido, un carácter básicamente funcional.

• El de ser una ofrenda a Dios, a los santos o a los difuntos, con el fin de obtener su gracia, su indulgencia, etc.
• El de ser intermediarios entre el mundo sobrenatural y el humano, haciendo visible aquí las realidades divinas.
• El de ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la Iglesia que reclamaba su delegado en el mundo; por otro, del poder de aquellos que tienen los medios suficientes para encargar obras de arte.

PERÍODOS PRINCIPALES

Alta Edad Media

• El arte paleocristiano cubre el período desde el siglo III, hasta el inicio del arte Bizantino (siglo V). Durante este período las obras de arte cristianas adoptaron las distintas técnicas romanas de pintura, mosaico, talla y trabajo de los metales.
• El arte bizantino. Durante el período de iconoclasia (730-843) Después de la reanudación de producción de iconos en 843 hasta 1453 la tradición Bizantina de arte continuó con relativamente pocos cambios, a pesar de, o debido a, la disminución lenta del Imperio. El logro supremo del arte bizantino era los frescos monumentales y mosaicos dentro de iglesias abovedadas.
• El arte islámico durante la Edad Media, además de la producción arquitectónica (las demás artes plásticas tienen un desarrollo menor al no permitirse la representación de figuras) cubre una amplia variedad de artesanías incluyendo manuscritos ilustrados, textil, cerámica, trabajo en metales y cristal.
• El arte prerrománico cubre el periodo del siglo V al siglo X en Europa Occidental. Las influencias clásicas y las germánicas son activamente son absorbidas y se desarrolla la semilla de la que más tarde surgiría el arte románico. Se divide en distintos estilos locales.

Baja Edad Media

Dos estilos internacionales marcan la época, dividiéndola en dos mitades: el arte románico los siglos XI y XII y el arte gótico, que comienza en Francia a mediados del XII y se va imponiendo en el resto de Europa Occidental en el siglo XIII y el XIV.

MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS

ARQUITECTURA

En la arquitectura de la Edad Media se desarrollan principalmente tres estilos: El bizantino, que influye durante todo el período, el románico entre los siglos XI y XII, y el estilo gótico desde el siglo XII hasta el XV.

Arquitectura Bizantina

La arquitectura bizantina, es el primer estilo importante en la Edad Media, destaca por su solidez estructural, utiliza esplendidos mosaicos interiores, capitel hermosamente decorado, una característica cubierta abovedada, y buena ornamentación, un buen ejemplo de este tipo de edificio es la Iglesia bizantina de San Vital.

Estilo Gótico

El empleo de las construcciones de tipo medieval finaliza con el desarrollo del estilo gótico, de origen germano. Se caracteriza por sus líneas alargadas con arcos de apariencia innovadora y ornamentación exterior recargada.

ESCULTURA

Desde el Románico al Gótico, en la escultura se da una evolución paralela a la de la pintura mural o a la de la miniatura de manuscritos —o a la de otros ámbitos de la creación: la poesía, por ejemplo—, una evolución que culminará en la transición al Renacimiento. Las formas y facturas de la Edad Media, rígidas, hiératicas, de aparente ingenuidad o simplismo, incluso abstractas, van dando paso a modelos más fluidos, ligeros y realistas. Es un periodo en el que los temas predominantes tienen que ver con la religión: figuras en bulto redondo de Cristos, Vírgenes y santos para el culto, sobre todo en madera policromada; y, en relieve, escenas sacras pero también fantásticas o mitológicas —como el Centauro de las Navas—, labradas sobre la piedra de los capiteles de las columnas y las portadas de los templos... La mayoría de la población era analfabeta y necesitaba esta ilustración para comprender y memorizar las enseñanzas bíblicas, con el complemento de las vidrieras de los ventanales a partir del gótico.

Virgen de las Batallas
Anónimo flamenco o lemosín (siglo xiii)

PINTURA

En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.

RENACIMIENTO

RENACIMIENTO

El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.

No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como demuestra, incluso, su arte románico peculiar.

El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue lento y desigual y para lo que centra nuestro interés, el arte en España, podemos decir que sus primeras manifestaciones comienzan en la penúltima década del siglo XV y se finaliza en los primeros años del siglo XVII.

En lo que respecta a la arquitectura renacentista presenta dos subestilos o modalidades el plateresco y el estilo herreriano.

ARQUITECTURA

La arquitectura del Renacimiento se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, de cúpulas colosales, hechas de conchas con aristas, con tambores de ventanas redondas, y linternas que cubren la apertura del domo inspirado del panteón romano.

Reaparece el arco de medio punto, las bóvedas de canon y de aristas.

Aparecen las columnas adosadas con capiteles clásicos, los fustes lisos, los pilares cuadrados decorados, los techos artesonados. En exterior, los edificios están frecuentemente coronados por una balaustrada y sobre ésta se colocan estatuas.

Las fachadas, inicialmente son austeras, mas se puede observar el dibujo de las piedras que subraya las dovelas y les da continuidad. Las ventanas están divididas por un parteluz de piedra, terminadas por un frontón encerrado en un arco ciego decorativo. Se usa piedra blanca (mármol) o gris claro. Hay armonía y buen uso de elementos. La línea ascendente, expresiva de la espiritualidad medieval es sustituida por el equilibrio de verticales y horizontales.

Surgen nuevos arquitectos que cambian el aspecto urbanístico de las ciudades y se edifican palacios de tres plantas, construcciones formadas por una sucesión de salas como la mansión de los Medici, Strozzi y Gondi.

Destacan como representantes de la arquitectura de ésta época:

· Philipo Brunelleschi.

· Leone Batista Alberti.

· Donato Bramante.

· Miguel Ángel.

ESCULTURA

En la Escultura Renacentista se buscarán las formas clásicas, y si cabe el proceso de imitación de la antigüedad se iniciará antes que en la Arquitectura. Hay que tener en cuenta que los restos de estatuas y relieves de la antigüedad abundaban en Italia, utilizándose como modelos de inspiración, e incluso en algunos casos se copian e imitan casi literalmente. Hasta el punto de que algunos retratos recogen actitudes e indumentarias más propias de emperadores romanos, con mantos y laureles coronándolos. Las características de esta escultura serán las de la escultura clásica, con los matices propios que cada artista aporte: simetría (relación armoniosa de unas partes con otras), dominio de las proporciones, dominio de la anatomía y armonía de los movimientos. Se busca la belleza, el equilibrio y el tratamiento anatómico se ajusta a un canon.

El material preferido será el mármol, rememorando el esplendor griego y romano. Junto a él, el bronce con idénticas técnicas de vaciados que en tiempos pasados, aunque alcanzando una perfección magistral. También el barro vidridado, aunque excepcionalmente. Las esculturas en mármol no se policromarán, debido a que los artistas del Renacimiento creían que los escultores de la antigüedad clásica tampoco lo hacían.

En cuanto a los géneros, serán variados los que podamos encontrar a lo largo de todo el Renacimiento: El retrato aparecerá en todas sus variedades: busto, cuerpo entero, ecuestres, etc. Mostrarán variedad de expresiones. Se reflejarán gran variedad de gestos y actitudes, los diferentes estados de ánimo, las diferentes etapas de la vida. La figura humana al desnudo tendrá gran relevancia, alcanzando un perfecto conocimiento anatómico. Se realizará fundamentalmente a través de los temas mitológicos. Con él se pretende una exaltación del cuerpo humano, del ser humano en definitiva, situado ya en el centro de la creación. Se realizarán imágenes de culto, aunque en menor medida de lo que se hace en España, donde los motivos religiosos ostentan el protagonismo temático. Un ejemplo en Italia serán las Piedades de Miguel Ángel. La escultura funeraria será otro de los géneros destacados, íntimamente relacionada con la idea humanista de la muerte. En la Edad Media la muerte triunfaba sobre el hombre; ahora, en el Renacimiento, el hombre triunfa sobre la muerte, y lo hace a través de la “fama”: del hombre queda vivo su recuerdo, a través de sus obras. Así, el sepulcro tratará de expresar las razones, sean del tipo que fueran, por las cuales aquella persona allí enterrada merece “fama” póstuma. Lo que ocurre es que a veces estas razones se expresan de manera simbólica, de un modo un tanto complejo de interpretar. Además, estos monumentos son privativos de clases sociales muy concretas: burgueses, nobles, y altos cargos de la Iglesia. Alcanza una total independencia de la arquitectura y se desarrolla de un modo absolutamente libre, en contraposición a los siglos de la Edad Media en los que la escultura había sido un complemento de la arquitectura y había permanecido subyugada a ella.

El relieve alcanza un extraordinario desarrollo, sobre todo por la utilización del schiacciato (bajo relieve esbozado, en el que el resalte es de muy escasa profundidad, pareciendo algunos sectores del relieve una superficie grabada), con el que se consiguen efectos sorprendentes en la perspectiva. Se le denomina también relieve pictórico, ya que lo que está más próximo al espectador posee más volumen que aquello que está más alejado, que aparece en relieve muy bajo.

PINTURA

Características de la pintura renacentista

· Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.

· Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.

· El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad.

· El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.

· En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados.

· En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.

· Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.

· A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.

BARROCO

BARROCO

Las raíces del barroco se localizan en el arte italiano, especialmente en la Roma de finales del siglo XVI. El deseo universalista inspiró a varios artistas en su reacción contra el anticlasicismo manierista y su interés subjetivo por la distorsión, la asimetría, las extrañas yuxtaposiciones y el intenso colorido. Los dos artistas más destacados que encabezaron este primer barroco fueron Annibale Carracci y Caravaggio. El arte de Caravaggio recibió influencias del naturalismo humanista de Miguel Ángel y el pleno renacimiento. En sus cuadros aparecen a menudo personajes reales, sacados de la vida diaria, ocupados en actividades cotidianas, así como también apasionadas escenas de tema mitológico y religioso. La escuela de Carracci, por el contrario, intentó liberar al arte de su amaneramiento retornando a los principios de claridad, monumentalidad y equilibrio propios del pleno renacimiento. Este barroco clasicista tuvo una importante presencia a lo largo de todo el siglo XVII. Un tercer barroco, denominado alto barroco o pleno barroco, apareció en Roma en torno a 1630, y se considera el estilo más característico del siglo XVII por su enérgico y exuberante dramatismo.

ANTECEDENTES HISTÓRICOS

La evolución del arte barroco, en todas sus formas, debe estudiarse dentro de su contexto histórico. Desde el siglo XVI el conocimiento humano del mundo se amplió constantemente, y muchos descubrimientos científicos influyeron en el arte; las investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas justifican la precisión astronómica que presentan muchas pinturas de la época. Hacia 1530, el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas alrededor del Sol, y no de la Tierra como hasta entonces se creía; su obra, publicada en 1543, no fue completamente aceptada hasta después de 1600. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide, en el arte, con el triunfo de la pintura de género paisajístico, desprovista de figuras humanas. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas, desconocidos hasta ese momento.

La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La Iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes, y la Contrarreforma, lanzada a combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, exaltado, dramático y naturalista, con un claro sentido de propagación de la fe. La austeridad propugnada por el protestantismo en lugares como Holanda y el norte de Alemania explican la sencillez arquitectónica que caracteriza a esas regiones.

Los acontecimientos políticos también tuvieron influencia en el mundo del arte. Las monarquías absolutas de Francia y España promocionaron la creación de obras que, con su grandiosidad y esplendor, reflejaran la majestad de Luis XIV y de la casa de Austria, en especial de Felipe III y Felipe IV.

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE BARROCO

Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco —manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas— hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

ARQUITECTURA

En el Barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. La ciudad se vuelve escenográfica. El palacio es el típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas. El hotel es un tipo de vivienda unifamiliar exenta y rodeada de jardines, burguesa. El templo es el lugar del sermón y la eucaristía. Se trata de un sitio de representación teatral.

Principales características

• Es quizás donde mejor se puede definir el Barroco.
- Cambio radical.
• Predominio de la línea curva, retorcida a veces.
• Riqueza de colorido:
- Entrantes y salientes
- Claroscuro
• Ruptura de estructuras: frontones.
• Gran abundancia de la columna:
- Sustentante
- Ornamental
-Nueva columna: salomónica (fuste retorcido).
• Materiales:
- Generalmente piedra.
- Mármol en las columnas.
• Los elementos constructivos están subordinados a los ornamentales.
- También a los efectos lumínicos tanto exteriores como interiores.
• Gran interés por el urbanismo.
• Arcos muy variados.
- Sobre todo el de medio punto.
• Abundancia de nichos, hornacinas...
- Espacios decorativos.
- Muchos ventanales con forma ovoide (oculi) enmarcados.
• Planta:
- En el barroco español abunda la planta jesuítica.
- También hay plantas elípticas, circulares...
• Gran desarrollo de la arquitectura civil.
- Interés por los espacios lúdicos > jardines.
>Jardines de Versalles.

ESCULTURA

La escultura barroca es heredera directa del Manierismo. Los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere particular importancia. Además la escultura se vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.

La escultura barroca se caracteriza por su fuerza y monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa.

Principales características

• Búsqueda del movimiento.
- Llega al desequilibrio.
- Originalidad, osadía.
- Pliegues en los ropajes.
- No sólo acción física, también psíquica.
-Se recupera la tensión del Laocoonte.
• Material:
- Mármol.
-No sólo blanco.
-De color, veteado.
- También bronce.
• Temas sobre todo religiosos.
• Se supedita la escultura a la arquitectura

PINTURA

La pintura barroca se aleja del elitismo manierista en busca de una expresión más didáctica. El pintor barroco plasma la realidad tal y como la vez, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo.

Se acude a los temas religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón.

No se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo. El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. El fondo queda en penumbra, o desaparece, mientras que la escena queda en primer plano. Eleclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma. Se trata de una estética decorativa efectista y teatral.

Principales características

Momento de gran esplendor en la pintura.
• Grandes diferencias entre los autores.
• Características comunes:
- Búsqueda de naturalismo.
- Importancia de la luz.
- Predominio de la pintura sobre el dibujo.
- Preocupación por el movimiento.
- Proliferación de detalles.
- Importancia de fondos > perspectiva con primeros planos.
• Cuando se trata de hacer propaganda del catolicismo, hay grandes exageraciones.
• Nuevo género > bodegones.

• Temas al sur:
- Religiosos: barroco dulce / dramático.
- Mitológicos.
- Bodegones.
• Temas al norte.
- Religiosos (se dan poco).
- Mitológicos.
- Pintura de género.
- Paisajes.

CULTURAS PRECOLOMBINAS

CULTURAS PRECOLOMBINAS

El arte precolombino es la manera como se designa al conjunto de realizaciones artísticas e intelectuales como escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil, metalistería y pintura realizadas en el continente americano durante el período precolombino en América.

Períodos

Se ha establecido una división cronológica de tres periodos que comprenden las fases más importantes: el preclásico o de formación, (c. 1500 a.C.-c. 300 d.C.); el clásico o de florecimiento, (c. 300-c. 900); y el posclásico (c. 900-1540).

Movimientos artísticos

Arquitectura

Los edificios precolombinos más antiguos estaban construidos en madera, juncos trenzados, esteras de fibra o paja, y otros materiales perecederos. Las estructuras permanentes o monumentales construidas en piedra o adobe (ladrillos de barro secado al sol) se desarrollaron principalmente en Mesoamérica y en la zona central andina.

Las técnicas de construcción precolombinas eran rudimentarias. La mayor parte de las estructuras se construían con el sistema de pilastra y dintel o de vigas horizontales sin arcos, aunque la cultura chavín del Perú y la maya de Mesoamérica emplearon el arco falso o bóveda de piedra salediza, que consiste en colocar una piedra sobre otra para conseguir una forma de arco. Utilizaban más herramientas de piedra que de metal, y tanto el transporte como la construcción de edificios como las pirámides, palacios, tumbas y templos sobre basamentos escalonados, se llevaban a cabo manualmente sin ayuda de ningún tipo de maquinaria.

La pirámide precolombina era considerada como algo diferente a su equivalente egipcia, ya que no estaba construida con fines funerarios sino como residencia de una deidad. Sin embargo, excavaciones recientes confirman de modo reiterado que solían incorporarse tumbas a las pirámides. Los pictogramas de los códices, (véase Paleografía) permiten suponer que las pirámides tenían gran importancia cívica y cultural. El símbolo azteca para representar la conquista era una pirámide en llamas en la que el calli, o casa del dios (el templo mayor), había sido derribado por el conquistador. Para hacerlas aún más monumentales e incrementar así el prestigio del gobernante, muchas de las pirámides mesoamericanas se reconstruían periódicamente sobre una estructura ya existente si bien esta práctica se relacionaba con cada cambio de era y se conmemoraba construyendo una pirámide nueva encima de las anteriores.

Escultura

La mayor parte de las esculturas precolombinas que se conservan son figurillas de barro o arcilla y efigies con forma de vasija. Aunque la técnica de trabajar los metales estaba muy evolucionada, seguían utilizando los instrumentos de piedra para tallar.

Pintura

Tanto las paredes interiores como las exteriores de los edificios se cubrían con una capa gruesa de estuco en la que se pintaban diseños decorativos o escenas narrativas

La refinada habilidad para la pintura y el dibujo de muchos de los pueblos precolombinos puede apreciarse en la escritura pictográfica de los códices mayas, mixtecas y aztecas. Las páginas de estos libros, hechas de piel de venado, fibras vegetales o cortezas de diferentes árboles, y plegadas a manera de biombo, estaban cubiertas con figuras y símbolos de gran riqueza cromática y meticuloso dibujo que registraban hechos históricos o mitológicos. También se encuentran muestras de la pintura precolombina en la decoración de vasijas. La cerámica maya, la moche y la peruana de Nazca proporcionan algunos de los ejemplos más excepcionales sobre diseños y técnica.

Artes decorativas

Cerámica

Se hacían objetos de cerámica y arcilla tanto a mano como utilizando moldes para luego decorarse con diseños estampados mediante un bloque de terracota o piedra, relieves o bajorrelieves y diferentes técnicas de pintura y pulido. Aunque existen algunos ejemplos de cerámica policromada, la mayor parte estaba pintada con uno o dos colores o se dejaba sin pintar.

Metalistería

Aunque las culturas prehispánicas no conocían el hierro ni el acero, habían trabajado mucho el cobre y habían descubierto la aleación del bronce alrededor del 1000 d.C. Se aplicaron muchas técnicas para trabajar el metal, que iban desde la cera perdida, hasta la soldadura, el repujado y el grabado. Los trabajos en metal solían estar grabados, chapados en oro o decorados con incrustaciones de piedras y conchas de mar.

Textiles

La fibra más común utilizada para tejer vestidos era el algodón, aunque en la zona central andina también se usaba la lana de llama, alpaca y vicuña. A menudo se coloreaban dichos materiales con tintes minerales y vegetales. Las telas presentaban diseños e imágenes que se incorporaban directamente al tejerlas, o que se pintaban, estampaban, bordaban o aplicaban posteriormente.

GRECIA

Los invitamos a mirar un power point del arte griego.


https://docs.google.com/present/edit?id=0AVWN4EoXdEtzZGRidDNqczJfMGhtZjQyNGhx&hl=en_US

EGIPTO

EGIPTO

Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso.

Como todo período tuvo movimientos artísticos, tales como:

La arquitectura egipcia, la cual emplea por primera vez la piedra tallada, en grandes bloques, con un sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Las construcciones más características de la arquitectura egipcia religiosa son los "complejos de las pirámides", los templos y las tumbas (mastabas e hipogeos). Se han conservado pocos restos de arquitectura civil, pues fueron construidos con adobe (es una pieza para construcción hecha de una masa de barro (arcilla y arena) mezclada con paja, moldeada en forma de ladrillo y secada al sol).

Gran pirámide de Guiza

La escultura alcanza durante la cuarta dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes y realistas representaciones de escribas y estatuas de faraones de porte majestuoso. Predominaba la "ley de la frontalidad".

Escriba de egipcio

Las representaciones murales, en bajorrelieve o pinturas, representan con criterio simbólico y jerárquico imágenes mitológicas, de la realeza y, posteriormente, escenas de la vida cotidiana (en tumbas de nobles). Predominaba el "canon de perfil" (es la denominación de la manera característica empleada por los antiguos egipcios en las representaciones de figuras humanas y dioses en bajorrelieves, frescos o papiros).

Bajorrelieve. Louvre